Fotokunst

Zur Zeit der Geburt der Fotografie war die vorherrschende Meinung in der Ästhetik, dass Kunst nur ein handgemachtes Werk sein kann. Das Bild der Realität, das mit technischen physikalisch-chemischen Methoden erhalten wurde, konnte nicht einmal einen solchen Status beanspruchen. Und obwohl die ersten Fotografen, die sich für künstlerische Bilder interessierten, einen beträchtlichen kompositorischen Einfallsreichtum zeigten, um die Realität widerzuspiegeln, passte die Fotografie lange Zeit nicht als eine der Musen in das System sozialer Werte und Prioritäten.

Der besondere Platz von Fotokunst in der künstlerischen Kultur wird dadurch bestimmt, dass sie die erste “technische” Kunst in der Geschichte wurde, die nur aufgrund bestimmter wissenschaftlicher Errungenschaften entstehen konnte.

Zeitgenössische Fotografie als Ausdrucksform

Die Fotografie der zeitgenössischen Kunst überschreitet Grenzen und wandelt sich von der Fotografie zur Kunst. Es ermöglicht Techniken, die außerhalb der klassischen Fotografie liegen. Dies können sowohl die neuesten Methoden sein, z.B. Computergrafik, als auch sehr alte Verarbeitungsmethoden, Materialien oder Geräte:

·       Grobkörnige Fotomaterialien

·       Silberbromid-Fotopapier

·       Monokularlinsen

·       Toning und andere

 

Die Haupteigenschaft der zeitgenössischen Kunstfotografie ist jedoch ihr Platz in unserem Leben. Solche Werke entstehen für Galerien und Privatsammlungen, sehr selten werden sie auf Bestellung angefertigt.

Rahmenausrichtung in der Fotokunst ist wichtig

Horizontal, vertikal, quadratisch – wie hängen diese Wörter zusammen? Die Antwort ist überraschend einfach – das sind alles Fotoformate in Fotokunst. Das Format eines Fotos entspricht nicht der Größe eines Fotodrucks, sondern dem Seitenverhältnis des Fotos und seiner Ausrichtung im Raum.

 

Eine richtig gewählte Rahmenausrichtung kann nicht nur die visuelle Wahrnehmung des Bildes verbessern, sondern ihm auch Originalität verleihen.

Horizontale Fotografie

Im Allgemeinen eignen sich horizontale Bildformate (auch Landscape genannt) besser für die Landschaftsfotografie. Diese Ausrichtung des Bildes entspricht unserer Wahrnehmung – wir sind es gewohnt, den Raum um uns herum in horizontaler Richtung zu betrachten.

Bei einem horizontal gestreckten Foto ist es einfacher, die Breite des Raums hervorzuheben. Wenn sich im Rahmen ein bewegliches Objekt befindet, können Sie durch die horizontale Position des Fotos mehr Raum für die beabsichtigte Bewegung des Objekts lassen, wodurch die Bewegungsdynamik verbessert wird. Die horizontale Rahmenausrichtung sollte auch verwendet werden, wenn viele Objekte und Details in der horizontalen Ebene des Rahmens verstreut sind und Sie alle abdecken möchten. Beispielsweise wird beim Fotografieren von Stillleben normalerweise das horizontale Seitenverhältnis verwendet.

Vertikale Fotografie

Die vertikale Ausrichtung (Porträt) des Fotos wird normalerweise beim Fotografieren eines Porträts verwendet, da Sie damit leere Felder rechts und links von der Person aus dem Rahmen ausschließen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Hauptmotiv des Fotos lenken können. Zusätzlich erfordert die Vertikalität der menschlichen Figur selbst eine solche Ausrichtung des Rahmens.

Manchmal wird bei der Aufnahme einer Landschaft in Fotokunst die vertikale Ausrichtung verwendet. Für eine geeignete Szene kann die Auswahl dieses Formats eine sehr ausdrucksstarke Aufnahme erzeugen. Wenn wir ein vertikales Foto betrachten, gleitet unser Blick normalerweise von unten nach oben. Daher ist die Porträtausrichtung ideal, wenn wir die Höhe von Objekten wie Bäumen oder Gebäuden hervorheben wollen.

Denken Sie auch daran, dass bei einer vertikalen Aufnahme die Horizontlinie hoch sein kann (gemäß der Ein-Drittel-Regel), und lenken Sie die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den unteren Rand des Fotos.

Quadratische Fotografie

Neben der vertikalen und horizontalen Fotografie verwenden professionelle Fotografen häufig das quadratische Format. Es stammt aus dem Zuschneiden eines der vorherigen Fotoformate. Das quadratische Format in Fotokunst eignet sich für die Fotografie, bei der die Ein-Drittel-Regel erheblich verletzt wird. Einem quadratischen Bild fehlt die dominante (längere) Seite des Rahmens. Beide Seiten eines quadratischen Fotos sind gleich groß und haben ausdrucksstarke Eigenschaften. Daher besteht die Gefahr, dass ein quadratisches Foto uninteressant und unscheinbar aussieht.

 

Für die erfolgreiche Verwendung des quadratischen Formats ist es erforderlich, dass das Bild eine sorgfältig durchdachte Komposition aufweist oder im Gegenteil ungewöhnlich (nicht standardisiert) in der Kompositionslösung ist.

Fotokunst: teils real, teils imaginär

Warum sind fotografische Bilder so attraktiv? Die Tatsache, dass viele von uns jetzt wöchentlich oder sogar täglich fotografieren, hat die Magie persönlicher Fotos oder Werke, die in einer Galerie, einem Museum oder einem Buch zu finden sind, nicht gemindert. Fotos, die in einem Album platziert oder in sozialen Netzwerken veröffentlicht werden, können bei uns eine Vielzahl von Emotionen hervorrufen. Wenn wir mit atemberaubenden historischen Schnappschüssen wie Herbert Pontings (1870-1935) Fotografien der Antarktis aus dem frühen 20. Jahrhundert konfrontiert werden, sind wir fasziniert. Bilder von Ponting von der British Antarctic Expedition 1910–1913 machen die ferne Vergangenheit zu einer aufregenden Gegenwart.

Diese Bilder sind jedoch nicht nur historische Dokumente: Es ist klar, dass der Fotograf auch unter solch schwierigen Bedingungen entschlossen war, alle Anstrengungen zu unternehmen, um eine ästhetische Wirkung zu erzielen. Fotokunst bezieht sich sowohl auf die Bereiche der Realität als auch auf die Vorstellungskraft: Obwohl sie manchmal einen der beiden bevorzugt, verliert sie nie ihren Einfluss.

Kunstfotografie

Es gibt viele tausend wichtige Kunstfotografien in öffentlichen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt, aber die meisten von ihnen wurden nicht mit Blick auf eine künstlerische Dimension aufgenommen. Einige sollten zeigen, was ein neues Medium leisten kann, andere begannen als Dokumente, Aufzeichnungen oder Illustrationen. Erst später wurden sie als Kunstgegenstände anerkannt.

Einige Fotografien, wie Eugene Atgets (1852-1927) Studie über Pariser, die eine Sonnenfinsternis betrachten, enthüllen das Surreale in der Realität. Andere, darunter das Selbstporträt als Ertrunkener (1840) von Hippolyte Bayard (1807–1877), spielen mit der Fähigkeit der Fotografie, künstlerische Fiktion als Tatsache darzustellen. Da die meisten der großartigen fotografischen Bilder im Nachhinein als Themen von Fotokunst übernommen wurden, kann ihre Geschichte nicht mit Bezug auf Schulen und Hobbygruppen erzählt werden.

Seit der Erfindung der Fotografie im Jahr 1839 wurde die Frage nach der Identität und dem Status dieses Medienträgers nicht in Bezug auf seine technologischen Ursprünge, sondern in Bezug auf seine Beziehung zur bildenden Kunst diskutiert. Nur wenige bestritten, dass Fotografie eine geniale Erfindung der Moderne war, aber viele sahen darin eine Bedrohung für die traditionellen Werte, die mit Kunst verbunden sind. In einer Gesellschaft, die symbolisch zwischen “Herren” (diejenigen, die ihren Intellekt und ihre Vorstellungskraft nutzten) und “Bedienern” (Arbeiter, die mechanische Arbeit verrichteten) aufgeteilt war, war die “Maschine”, mit der die Bilder hergestellt wurden, eine Herausforderung für die bestehende Gesellschaftsordnung.

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